1樓：匿名使用者
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古典芭蕾、現代芭蕾、當代芭蕾各自的特徵
2樓：匿名使用者
談談芭蕾舞傳統和形成
法語ballet的音譯,意指:①一種舞臺舞蹈形式,即歐洲古典舞蹈,通稱芭蕾舞。這是在歐洲各地民間舞蹈的基礎上,經過幾個世紀不斷加工、豐富、發展而形成的,具有嚴格規範和結構形式的歐洲傳統舞蹈藝術。
19世紀以後,技術上的一個重要特徵是女演員要穿特製的腳尖舞鞋用腳趾尖端跳舞,所以也有人稱之為腳尖舞。②舞劇,最初專指以歐洲古典舞蹈為主要表現手段,綜合**、啞劇、舞臺美術、文學於一體,用以表現一個故事或一段情節的戲劇藝術,稱古典芭蕾(或古典舞劇)。20世紀出現了現代舞以後,以現代舞結合古典舞蹈技術為主要表現手段來表現故事內容或情節的稱現代芭蕾。
逐漸地,芭蕾一詞也用來泛指用其他各種舞蹈為主要表現手段的舞劇作品,儘管在舞蹈風格、結構特徵、表現手法等方面均不同於古典芭蕾或現代芭蕾。③在現代編導創作的舞蹈作品中,有相當一部分沒有故事內容,也沒有情節,編導運用歐洲古典舞蹈或現代舞蹈,或使兩者相結合,用以表現某種情緒、意境,或表現作者對某個**作品的理解等等,這些也稱為芭蕾。
ballet一詞,源於古拉丁語ballo。最初,這個詞只表示跳舞,或當眾表演舞蹈,並不具有劇場演出的含義。芭蕾作為一門舞臺藝術,孕育於文藝復興時期義大利盛大的宴飲娛樂活動,17世紀形成於法國宮廷,這種宮廷芭蕾實際上是在一個統一的主題下,具有鬆散結構的舞蹈、歌唱、**、朗誦和戲劇的綜合表演,由專業的舞蹈教師設計,國王和貴族擔任演員,女角也由男子扮演,表演場地在皇宮大廳**,觀眾則圍繞在大廳周圍**;演員戴皮製面具標誌不同角色,故又稱假面芭蕾。
2023年,路易十四下令在巴黎建立皇家舞蹈學院。17世紀70年代芭蕾演出開始使用黎塞留主教宮廷劇場。演出場地和觀眾**角度的改變,引起了舞蹈技術和審美觀點的變化,演員站立的姿勢越來越外開,由此正式確定了腳的5個基本位置,這5個外開的位置成為發展芭蕾舞技術的基礎。
專業芭蕾演員應運而生,並逐步取代了貴族業餘演員,職業女芭蕾演員也開始登臺演出,舞蹈技術得以較迅速地發展。芭蕾演出從基本上是一種自娛性的社交活動逐步轉變為劇場表演藝術。這個時期的芭蕾是從屬於歌劇的,宮廷作曲家j.
當代芭蕾舞天鵝湖的藝術特徵
3樓：糖糕屋
當代芭蕾摒棄或淡化戲劇情節；重視形式和結構；能自由處理時空轉換；追求現代主義文化知識；追求舞蹈語音的流暢；對人生哲理和價值觀的思索，題材的廣泛性形式的多樣化，風格的多元化和發展三維空間技術等為基本藝術特徵。
《天鵝湖》 至今仍是舞蹈家們所遵循的楷模， 同時也是一部現實主義舞劇的典範。
《天鵝湖》的**象一首首具有浪漫色彩的抒情詩篇，每一場的**都極出色地完成了對場景的抒寫和對戲劇矛盾的推動以及對各個角色性格和內心的刻劃，具有深刻的交響性。這些充滿詩情畫意和戲劇力量，並有高度交響性發展原則的舞劇**，是作者對芭蕾**進行重大改革的結果，從而成為舞劇發展史上一部劃時代的作品。其中許多**都是流芳百世佳作，這裡只能選擇其中著名的幾首加以介紹。
舞劇的序曲一開始，雙簧管吹出了柔和的曲調引出故事的線索，這是天鵝主題的變體，它概略地勾劃了被邪術變為天鵝的姑娘那動人而悽慘的圖景 （片段1）。 全曲中最為人們所熟悉的是第一幕結束時的**。這一幕是慶祝王子成年禮的盛大舞會，**主要由各種華麗明朗和熱情奔放的舞曲組成。
在第一幕結束時，夜空出現一群天鵝，這是樂曲第一次出現天鵝的主題，它充滿了溫柔的美和傷感，在豎琴和提琴顫音的伴隨下，由雙簧管和絃樂先後奏出（片段2）。 《匈牙利舞》，即是匈牙利民間的《查爾達什舞》。**的前半段舒緩而傷感，如舞蹈前的準備（片段 3）,**後半段節奏強烈,顯示出舞蹈者的粗獷，是一首狂熱的舞曲（片段4）。
《西班牙舞》，**富有濃厚的西班牙民族風味，西班牙響板的伴奏色彩明亮,更加重了**的民族特色。**前半部分熱情奔放,氣氛熱烈（片段5），後半部分則充滿了歌唱性和旋律性（片段6）。《那波里舞曲》是一首十分著名的義大利風格的舞曲，整個舞曲以小號為主奏，**活潑，前半段平穩， 後半段則節奏越來越快，氣氛越來越熱烈， 是一首塔蘭泰拉風俗舞曲（片段7）。
《四小天鵝舞》也是該舞劇中最受人們歡迎的舞曲之一，**輕鬆活潑，節奏乾淨利落，描繪出了小天鵝在湖畔嬉遊的情景，質樸動人而又富於田園般的詩意（片段 8）。
芭蕾美學的四大原則是什麼？
4樓：霓脦那些
一、「開」
指的是芭蕾舞者，均需要從肩、胸、胯、膝、踝五大關節部位，左右對稱的向外開啟，或向兩側開啟，尤其是兩腳應該向外開啟180度。它的藝術特徵主要表現在：延伸身體線條、擴大表現空間、增強運動的靈活、保持身體的平衡、提高藝術性、炫耀貴族的氣派。
芭蕾作為一種概念性和抽象性為審美特徵的表演藝術，許多動作的運動方向都是與舞臺平行的，而向兩側打「開」雙腳則能更有效的擴大體重在運動中與地面接觸並達到平衡的面積。一旦他們肢體原有的線條得到了充分的延長，動作範圍得到了空前的擴充套件，表現力也就自然會變得格外豐富。
二、 「繃
指的是芭蕾舞者，均需將肢體各個部位「繃」起來，尤其是腿腳上的膝關節和踝關節，以及脊椎和頸椎諸關節。才能在觀眾的視覺中有效地延長肢體原有的線條，產生形體美和肌肉美的審美感覺。
三、「直」
指的是芭蕾舞者，均需要使背部像門板似的向上挺直，達到健美挺秀的藝術境界。「直」不僅僅是體現在身體的直立，還體現在動態之中的身體保持的直立狀態，垂直性是芭蕾舞許多整套動作技巧的主調。
四、「立」
指的是芭蕾舞者，均需要使頭頸、軀幹和四肢作為一個整體，在靜態的舞蹈時要表現傲然挺立、氣宇軒昂的穩重狀態，而在動態舞蹈時既要穩重流暢，又要在停止時揮灑有力，穩重如山。
擴充套件資料：
一、風格流派
自義大利文藝復興以來，芭蕾舞的風格就一直在發展。早期，古典芭蕾舞主要是因為地域起源的不同而產生變化的，例如俄羅斯派、法國派及義大利派。後期的變化則分別包含了古典芭蕾舞及非傳統技術及舞姿，如當代芭蕾舞及新古典主義芭蕾舞。
最為人熟悉及最常演出的風格則是浪漫芭蕾，它是一種以女舞蹈員及腳尖技術為中心的古典風格，以流暢及準確的舞姿見稱，時常用來象徵女舞蹈員穿著短白色芭蕾舞裙的形象。
二、浪漫芭蕾
浪漫芭蕾指十九世紀早至中期出現的芭蕾舞風格，該時期的舞劇以強調強烈的情感的主題為中心，作為一種美學經驗。那些舞劇的劇情圍繞女性的靈魂形態，如仙子和鬼等俘虜到了世俗男子的心。人們普遍認為2023年的舞劇《仙女》和2023年的舞劇《柯碧莉亞》分別是浪漫時期的開始和終結。
三、古典芭蕾
古典芭蕾是基於傳統芭蕾技術及詞彙之上的。有不少古典芭蕾的風格和它們起源的地方息息相關，如俄羅斯派、法國派及義大利派。而有些古典芭蕾的風格是和特定的培訓方式有關的，並會以它們的建立者來命名，如以義大利舞者恩利可切凱蒂命名的切凱蒂法及以俄羅斯女舞者阿格麗皮娜瓦嘉諾娃命名的瓦嘉諾娃法。
四、新古典主義芭蕾
新古典主義芭蕾使用了古典芭蕾舞的技術和詞彙，但在使用抽象概念時和古典芭蕾不同。它沒有具體的情節、戲服和情景，使用的**素材廣泛，常使用新古典主義**，如斯特拉文斯基及魏本的作品。由於正式規格和敘事式情節不再是必須的，新古典主義芭蕾在空間運用、編舞設計結構上也有更多可能性。
《從珀蒂珀到巴蘭欽》的作者蒂姆紹爾認為，喬治巴蘭欽在2023年所創作的《阿波羅》是第一部新古典主義芭蕾舞劇。它迴應了謝爾蓋·佳吉列夫抽象的舞劇，象徵了形式的迴歸。巴蘭欽往後和現代舞編舞家瑪莎·葛蘭姆共事，增加了對現代舞技巧與概念的認識，並把現代舞者如保羅泰勒等帶進了他的紐約市芭蕾舞團。
泰勒更在2023年出演了巴蘭欽所創作的《序曲》。
除了巴蘭欽，還有不少人對這個風格的發展作出了重大的貢獻。如弗雷德裡克·阿什頓在2023年創作的《交響樂之舞》就是他重大的一部作品，舞者穿著白色短上衣上演該劇，並配以非常少的抽象舞臺設計及情節。
這部和作曲家法朗克作品同名的舞蹈作品，是對以純粹的舞蹈對該樂曲所作的詮譯，並加入了阿什頓的典型風格。
與此同時，現代芭蕾舞也從新古典主義芭蕾舞中分支了出來，先行的革新者包括了泰特利葛蘭、羅伯特·喬佛裡及阿匹諾傑拉德。
雖然現代芭蕾舞和新古典主義芭蕾舞難以分辨，現代芭蕾舞編舞家相比起芭蕾的雅緻而言，更著重體育運動的元素。它對錶現舞者的體形更為大膽，配以更強烈的主題、氣氛和**。如喬佛裡在2023年創作的《亞斯塔蒂》，就起用了搖滾**及具性意味的編舞。
五、當代芭蕾
當代芭蕾容許任何風格對使用芭蕾舞技巧的作品作出影響。只要有明顯的古典芭蕾舞基礎，它就能糅合不同層面的美學，包括現代、爵士、通俗或道德等形式。正因如此，它為創新的嘗試、探索提供了空間。
當代芭蕾和當代舞的分別在於，演出當代芭蕾必須先接受芭蕾舞訓練。同樣，它和新古典主義芭蕾舞及現代芭蕾難以區分，如薩普在2023年為傑弗瑞芭蕾舞團創作的作品《平分雙門轎跑車》。
劇中薩普安排一名穿著白衣的芭蕾舞者向她介紹芭蕾舞動作詞彙的同時，穿著便服的舞者穿著足尖鞋、襪子或球鞋表演不同風格的舞蹈，並配以搖滾樂團海灘男孩的**。
在八十年代，威廉・弗西斯以一系列的作品為當代芭蕾作出了重大的創新改革，包括了2023年的《多少懸在半空中》。這部作品展示出強勁的體育運動色彩，並使用了電子**。弗西斯把古典芭蕾舞詞彙加以誇飾，並把舞蹈動作的幅度加快、加大及增加不同的移動方位。
許多當代芭蕾的概念都是來自二十世紀現代舞的意念和創新的，包括躺坐在地板上的動作及腿部的向內轉。當代芭蕾不時以赤腳表演，亦可能包含戲劇、啞劇及伴奏，其中伴奏大多是管絃樂，也有少量以聲樂為主。
紐約市芭蕾舞團的創團總監喬治巴蘭欽對新古典主義芭蕾作出了前瞻性的發展，因此常被視為當代芭蕾的先鋒。另一位當代芭蕾的編舞家薩普，則於2023年為美國芭蕾舞劇團創作了《危急關頭》，並在2023年為自己的舞團創作了《in the upper room》。
這兩部作品都因為結合了特別的現代舞舞姿、足尖鞋及在古典芭蕾舞流派受到訓練的舞者而被評為創新。
現在仍然有不少當代芭蕾舞團及編舞家，例如阿隆佐·金和他創立的芭蕾舞團、馬修·伯恩和他創立的new adventures芭蕾舞團、complexions當代芭蕾舞團、杜瓦託和他創立的西班牙國家現代舞團、威廉·弗西斯和佛賽舞團、以及荷蘭舞蹈劇場的基利安。
傳統上表演古典芭蕾舞的劇團也會定期上演當代作品，如馬林斯基芭蕾舞團和巴黎歌劇院芭蕾舞團。
「芭蕾舞」這個詞彙逐漸進化至能夠包含任何一種和它相關的形式。舞者需要同時能夠演繹古典、新古典主義、現代和當代作品。他們要優雅莊嚴地演繹古典作品，自由抒情地演繹新古典主義作品，並時而保守時而奔放地演繹現當代作品。
芭蕾舞的發展延伸廣闊，有時和其他舞蹈的界別會變得模糊，但會保留一定的芭蕾舞技巧元素。
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